Los Abuelos De La Nada / Cosas Mías (1986) [CALIDAD WAV]

Cosas mías es el quinto y último álbum de estudio perteneciente al grupo de rock argentino Los Abuelos de la Nada editado bajo el sello Interdisc en el año 1986. Sería el último trabajo discográfico de la banda y también el de su líder Miguel Abuelo.

Luego de que la formación más exitosa se desintegrara en 1985, pasaron algunos meses en los cuales Miguel Abuelo se dedicó a realizar algunas presentaciones como solista mientras esperaba que el resto de los miembros decidiera volver al grupo.

En marzo de 1986 supo que debía comenzar de cero una vez más y convocó a su amigo Kubero Díaz y a su sobrino Marcelo "Chocolate" Fogo. Con ellos, más Polo Corbella, baterista de la anterior formación y el tecladista Juan del Barrio, de esta manera comienzan los ensayos. Graban un demo de diez canciones, que incluía algunas de las que luego se incluyen en el álbum y una versión roquera de "Va Silvestre bajo el Sol" (del repertorio solista de Miguel Abuelo) en el estudio de Claudio Gabis, que más tarde iba a ser interpretada en dos actuaciones en vivo.

La idea inicial era que la formación tenga el nombre de Miguel Abuelo en Banda, pero al momento de editar el álbum Miguel es convencido por el dueño del sello para que firmen el disco como un nuevo trabajo de Los Abuelos de la Nada.

El material sale a la venta a fines de ese mismo año, y el tema que da título a la placa no tarda en convertirse en uno de los hits del momento. Es presentado con cuatro funciones en el Teatro Opera. Luego de esta actuación, Polo Corbella dejaría la banda para retirarse de la música, siendo reemplazado por Claudio "Pato" Loza, quién era fanático de la banda, y a esta formación luego se sumó el ex saxofonista de Patricio Rey y sus redonditos de ricota, Willy Crook.

Pagar y Descargar Ahora

Invisible / Durazno Sangrando [FLAC] (1975)

 

Durazno sangrando, de 1975, es el segundo álbum de estudio de la banda de rock argentina Invisible y el octavo en el que tiene participación decisiva Luis Alberto Spinetta. Invisible estaba integrado por Spinetta (guitarra y voz), Pomo Lorenzo (batería) y Machi Rufino (bajo).

Se trata de una obra conceptual inspirada en nociones tomadas por Spinetta de la obra del filósofo y psicólogo suizo Carl Jung basada en el tradicional libro chino El secreto de la flor de oro. El álbum está integrado por solo cinco temas, incluyendo una de las canciones más difundidas del cancionero de Spinetta, "Durazno sangrando", de donde toma su título el disco. Este sería el único tema del mismo interpretado en el megarrecital Spinetta y las Bandas Eternas organizado por el músico en 2009 para celebrar sus 40 años en la música.

Fue grabado en el año 1975 en los estudios CBS y presentado en vivo (Teatro Coliseo 21 y 22 de noviembre de 1975).

La tapa del disco diseñada por Eduardo Martí y el afiche con un dibujo del mismo Spinetta fueron censurado por las autoridades comunales de la ciudad de Rosario a fines de 1976,​ por considerar que la imagen (que según sus autores representaba un carozo de durazno) simulaba una vagina.

El álbum abría con una suite de quince minutos, titulada precisamente “Encadenado al ánima”, de sutiles arreglos, ritmos cambiantes y complejos pasajes instrumentales. La letra, plagada de imágenes psicodélicas, resultaba de la fusión entre un escrito de Pomo y una poesía de Luis Santiago Spinetta, el padre del Flaco. La pieza estaba dividida en dos partes. Sobre el final de la primera, se oían los acordes de un sintetizador de cuerdas que rompían el tradicional esquema grupal de guitarra, bajo y batería. El instrumento estuvo a cargo de Esteban Martínez Prieto, compañero de Machi en una banda de covers a comienzos de los años 70. “Ejecuté dieciséis compases –recuerda hoy el pianista–. Sobre el final de esos compases se escucha un cambio de tono. Fue Luis Alberto quien, mientras yo tocaba, alteró la afinación del teclado a modo de cierre del fragmento.” El lado uno concluía con la canción que titulaba el álbum, una bella fábula acústica sobre el ser humano y sus procesos, a veces dolorosos, de reinvención.

El lado dos comenzaba con “Pleamar de águilas” donde Rufino asumía la voz principal para narrar una mística travesía en barco. Al texto de Luis Alberto, el bajista le aportó terminología naval aprendida en sus tiempos de marino en la Armada Argentina. Luego seguía “En una lejana playa del animus”, un extenso opus de variados módulos rítmicos que hasta coqueteaba con aires autóctonos. En él, Spinetta volvía sobre pasajes del libro de Wilhelm y Jung para entregar una lírica delicada e intrigante. La última canción era “Dios de adolescencia” una gema de menos de tres minutos que, con guiños al filósofo Jean-Paul Sartre, describía a una púber en busca de su libertad. “En términos musicales y poéticos todas las piezas están vinculadas entre sí”, sostiene Rufino. “El disco –coincide Lorenzo– no era una sumatoria de temas sino una obra integral.”

El disco fue registrado en los estudios CBS, en Paraguay al 1500. “La sala era enorme, con capacidad para una orquesta sinfónica”, describe Pomo. Las instalaciones se complementaban con un arsenal de instrumentos. “Había guitarras de todas las marcas y un completo set de percusión con timbales, xilofones y campanas”, prosigue el baterista. Esas óptimas condiciones hacían juego con la eficiencia del trío a la hora de plasmar sus canciones. “Grabábamos ‘de una’ porque teníamos los temas ensayados hasta el más mínimo detalle”, asegura Machi. Aunque había escollos a sortear. “Los técnicos tenían jornadas laborales de cuatro horas”, explica Pomo. “Cuando el que nos asistía terminaba su turno, lo reemplazaba un colega. El cambio en el medio de una sesión generaba retrasos porque debíamos explicarle al recién llegado lo que estábamos haciendo... en realidad todos carecían de experiencia para grabar nuestra música porque solían manejarse con cantantes melódicos y tangueros”, concluye.

"Básicamente el "Durazno" representa dos visiones de la vida espiritual, una oriental y la otra occidental. Nosotros somos occidentales, y occidentalistas; por lo tanto, el misterio filosófico oriental es difícil de interpretar desde una óptica saturada de sofisticación como la nuestra; para poder investigar en ese arte y filosofía debemos desprendernos de todas esas cosas. El "Durazno" es una concepción un tanto cristiana de la sangre, de lo que es Cristo, y por otra parte representa la visión oriental de la Flor de Oro, una flor de origen celeste que representa la divinidad para los chinos. Nosotros pretendimos aglutinar estos conceptos con un tercero que involucra directamente a los anteriores, que es el amor. Creemos que por encima de cualquier presunción o preconcepto, el gran problema que aqueja al hombre es el amor, y la entrega del amor. En el último tema —"Dios de adolescencia"— se resume toda la propuesta del disco. Dice así: "Ya que Dios es un mundo/en el que amar es la eternidad que uno busca".

Nosotros en un momento pensamos poner las referencias de las fuentes consultadas, pero llegamos a la conclusión de que no sería lo indicado. Por otra parte, las referencias son también teóricas, y su interpretación puede presentar obstáculos. Entonces preferimos que la gente se indujera por propio impulso a buscar las fuentes, o no... Además es bueno aclarar que el hecho de que nosotros nos hayamos dirigido a determinadas filosofías orientales para concebir una serie de canciones no significa que seamos monjes tibetanos o budistas; y si decidimos no poner ningún comentario, fue para que no existiera un prejuicio en el oyente. Creo que los problemas de espíritu sólo los puede solucionar uno, y quizás resultaba algo superficial citar los textos que sirvieron para hacer las canciones. No creo que uno se ilumine leyendo un libro, pero si, en cambio, se le da música y algunos conceptos artísticos lúcidos, la persona se motiva a seguir adelante. No quiero decir que los libros no sirvan, pero yo prefiero el camino emocional, al camino intelectual."

Luis Alberto Spinetta - Sobre Durazno Sangrando (Revista Pelo-1976)

Pagar y Descargar Ahora

Manal - IDEM [Calidad WAV] (©1970 REEDICIÓN ©1997 SONY MUSIC)

1.JUGO DE TOMATE

2.PORQUE HOY NACÍ

3.AVENIDA RIVADAVIA

4.TODO EL DÍA ME PREGUNTO

5.AVELLANEDA BLUES

6.CASA CON DIEZ PINOS

7.INFORME DE UN DÍA

BONUS TRACK

8.NO PIBE

9.EL LEONCITO

10.PARA SER UN HOMBRE MÁS

11.BLUES DE LA AMENAZA NOCTURNA

12.NECESITO UN AMOR

13.PARA SER UN HOMBRE MÁS

14.ELENA

PEDIR PASS DEJANDO UN COMENTARIO

Pagar y Descargar Ahora

Javier Malosetti / Onyx (2004) [CALIDAD FLAC]

 

Alineación:

Javier Malosetti / Bajo, guitarras y vaya uno a saber que más

Andrés Beeuwsaert / Piano acústico y eléctrico, órgano, clavinet

Pepi Taveira / Batería, cow-bell

Walter Malosetti / Guitarra en 6

Pappo / Guitarra en 11

Bolsa González / Batería en 11

Rafa Arcaute / Sintetizador en 3, 10

Claudio Cardone / Sintetizador en 12

Richard Nant / Trompeta en 6

Pablo Puntoriero / Saxo tenor en 6

Juane Scalona / Trombón en 6

Otro más de Javier Malosetti. Esta vez su trabajo Onyx de 2004. Quinto disco (cuarto en estudio) del bajista, pergeñado luego de dejar de trabajar con Spinetta. Otra vez el eclecticismo, la ejecución a altísimo nivel, los homenajes, las dedicatorias, pero menos covers (apenas uno de Harry Belafonte). Gana protagonismo el tremendo Hammond de Beeuwsaert, un sonido poco frecuente entre nosotros que, a Dios gracias, Malosetti se encarga de reflotar. Una brevísima intervención de Pappo (en Triceratops) nos deja con ganas de más, mucho más (mas jazz no le pudieron sacar al Carpo).

Pagar y Descargar Ahora

The Con's Combo / The Con's Combo [LP RIP] (1966)

CON'S COMBO: Grupo sueco liderado por Owe Monk, que se presentó exitosamente en Argentina hacia 1966, permaneciendo en el país algunos años. Monk cantó también como solista.

Se forma en la ciudad de Katrineholm en Suecia a principios de 1960 a partir de los hermanos Söderlund, la banda The Con´s Combo, integrada inicialmente por Ingemar Söderlund en voces, Conny Söderlund en guitarra y voz, Johannes Ljungkvist en guitarra, Ulf Hellqvist en bajo, Nils Sandström en saxophone, Christer Söderlund en batería.

Al tiempo ingresan Conny Söderlund en guitarra y voz, Bo Gathu en bajo y voz y Owe Monk en teclado y voz

En una gira finlandesa conocen al baterista Osvaldo Venini que se incorpora a la banda y les sugiere viajar a Argentina, donde había un montón de conciertos

Arribados a mediados de 1965 surgen un montón de contratos de trabajo, el grupo apareció tres veces a la semana en la televisión.

Reformulado con Conny Soderlund en guitarra y voz, Bo Gathu en bajo y voz , Owe Monk en teclados y voz, Osvaldo Venini en batería y voz, hacían un beat cantado en inglés con toques de jazz y humor.

Firman contrato para una publicidad de Coca Cola adaptando su tema "Botella de Vino" a la gaseosa (Ambos temas los únicos grabados en espeñoñ por la banda) y luego firman con el sello Odeón

En 1966 se va Venini, el baterista argentino, que es reemplazado por Charlie, y Odeón lanza su simple conteniendo los covers en inglés de “Conseguiré Una Mujer” y “Nadie lo Sabe”

Los Shakers / La Conferencia Secreta del Toto's Bar [CALIDAD FLAC] EMI © 2007

La conferencia secreta del Toto's bar es el tercer LP de Los Shakers. Fue editado a fines de 1968 en Argentina y en febrero de 1969 en Uruguay por el sello Odeón. Esta digitalización que comparto con ustedes, corresponde a la edición argentina del vinilo original. El álbum se publicó con formato de sonido monoural, bajo el número de serie LDX-309.

Si bien en su momento el disco tuvo escasa repercusión, es considerado hoy en día como uno de los mejores discos de rock grabados en Sudamérica en la década de 1960. En el encontramos claras reminiscencias al Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles: las dos canciones enganchadas al comienzo del disco, el tema final que contacta con A Day in the Life, las humoradas musicales a lo largo del álbum, entre otras similitudes. Por esa razón es llamado muchas veces como el "Sgt. Peppers de América Latina". También hay canciones en las que se mezcla el rock y jazz con música rioplatense: "Candombe", inspirada en el trabajo de Manolo Guardia y "Más largo que el Ciruela", donde se puede oír sonar un bandoneón que remite a Astor Piazzolla, y cuya inclusión fue idea de "Pelín" Capobianco. El título del trabajo es una referencia a la Conferencia de Presidentes Americanos realizada en Punta del Este en abril de 1967. Toto era el dueño de un bar de esa ciudad.

En el momento de ser publicado el disco, Los Shakers ya era una banda desarmada. Esto, sumado a que la compañía discográfica Odeón se desentendió del material, hizo que la difusión que tuvo el álbum fuera inexistente. Pese a ello, deslumbró e influyó en una gran cantidad de músicos de Argentina y Uruguay, incluyendo a Luis Alberto Spinetta y Charly García. Es considerado en la actualidad como un disco fundamental en la historia del rock latinoamericano, ya que resultó un anticipo a la fusión que se dio más tarde entre el rock y el pop con géneros musicales de Sudamérica.

"Grabado en Argentina, el tercer LP de Los Shakers constaba de once canciones originales en las que el grupo mezcla el rock y el jazz con numerosos géneros latinoamericanos como la bossa, el tango, y el candombe. Cantadas con un inglés masticado que en ocasiones se vuelve incomprensible, las letras de las canciones están marcadas por la creatividad desbordante de imaginación de compositores como Lennon y McCartney.

la canción homónima que abre el álbum cuenta la historia de una conferencia secreta entre varios presidentes de los países más importantes del mundo, llevada a cabo en un pequeño bar de San Rafael, Uruguay. Unida a esta canción —clara referencia a la unión de Sgt. Pepper’s Lonely Heart’s Club Band y With a little help with my friends— está Mi Tía Clementina, una tierna canción sobre un niño que desea convertirse en barbero cuando sea grande. La segunda pista, titulada Candombe es una pieza compleja con una gran cantidad de arreglos y percusiones. Este tema es uno de los ejemplos más claros en el álbum de la combinación del rock con géneros latinoamericanos. En su inicio introduce por primera vez al acordeón como un instrumento que tendrá una presencia importante en el álbum, y en su final contiene un solo de guitarra sencillo, pero imperdible. En las siguientes tres pistas, Acostumbro a ver T.V. los Martes 36, Una forma de Arco Iris y Siempre Tú se hace más palpable aún la influencia de los Beatles. Estas canciones de rock, repletas de armonías de voces, un piano alegre y guitarra juguetonas, forman un sonido jubiloso y optimista que rememora al Sgt. Pepper’s en canciones como Getting Better. A estas le procede B.B.Band, una marcha con melodías y armonías vocales alegres que inicia con un instrumento que suena similar a una gaita. Después está Yo recuerdo mi mundo, una lenta balada que alterna compases de 3/4 y 4/4. Este tema se nutre de arreglos de cuerdas que rememoran a canciones como Glass Onion, mientras un virtuoso acordeón entra y sale de escena. Con Oh mi amigo volvemos a un sonido Beatle más clásico. Nos remonta a su época de Rubber Soul con referencias explicitas a canciones como Drive my car. La novena pista del álbum, El pino y la rosa, es una canción upbeat en la que se alternan ritmos rápidos y lentos. Además, contiene una sección con una interesante armonía de voces que se complementa con una melancólica melodía de acordeón inspirada, sin duda, en el ambiente porteño rioplatense y en el compositor Astor Piazzola. Las últimas dos pistas del álbum, El señor carretera el encantado y Más largo que el ciruela, son dos canciones que parecen adelantarse un poco a The Beatles. Con bellos arreglos orquestales que recuerdan a canciones como The Long and Winding Road del entonces aún no publicado álbum Let it be, cierran este álbum de maravillosa sonoridad, que definitivamente está al nivel de las grandes producciones musicales europeas de su época".

Edson Elizondo - http://gritaradio.com

Pagar y Descargar Ahora

Los Shakers / For You [CALIDAD FLAC] EMI © 2007

Cuando en octubre de 1966 se editó el segundo LP de Los Shakers, Shakers For You, los ecos de los Beatles de la primera época, que tal vez resonaban en la cabeza de los fans que escucharon el álbum debut del grupo uruguayo, dieron paso - en este imaginario paralelo con la banda de Liverpool- a un sonido que había evolucionado siguiendo la ruta del álbum Rubber Soul, magnifico trabajo de Sus Majestades Británicas del beat. Aquí los Shakers comienzan a desplegar una batería de posibilidades que no habían utilizado hasta ese momento. Ya desde la portada - una fotografía tomada en un estacionamiento de Mar del Plata por Antonio Fattoruso, padre de los líderes de la banda y fotógrafo aficionado- se empezaba a dibujar un perfil más personal y distintivo para los Shakers, una progresión artística que reafirmaba su personalidad y su pertenencia a esta parte del mundo.

Tradicionalmente los músicos uruguayos han tenido una facilidad asombrosa para abrazar los patrones rítmicos y las claves indiosincrásicas de la música brasileña. Los Shakers no eran la excepción, su tremendo amor y conocimiento de la bossa nova, esa hermosa amalgama musical do Brasil, les permitió la creación de "Never never", un tremendo éxito no sólo en la Argentina y Uruguay, sino también en la mismísima tierra de la bossa nova. Los temas incluidos en el disco original (que vende a caballito del éxito de "Never never"), comienza a tener arreglos más sofisticados y arriesgados.

Otro de los elementos a destacar de varios temas de este disco es el delicado manejo de los tiempos, ese particular renglón de una canción que muchas veces marca el límite entre los músicos talentosos y aquellos que no lo son tanto. Temas como "El niño y yo" o "Déjame decirte" demuestran clara y majestuosamente este punto fuerte de los Shakers. Canciones como "Norwegian Wood" (Madera Noruega) de los Beatles o "Paint it black" (Pintalo de Negro) de los Rolling Stones no sólo formaban parte del sonido de las trincheras de los soldados en la guerra de Vietnam - a pesar de las balas y explosiones circundantes - sino que también advertían que la música estaba cambiando y evolucionando. La ventana sensorial de los Shakers no permaneció cerrada a tales señales que las radios y los discos permitía decodificar, al difundir los nuevos sonidos que emanaban de las capitales de la música beat.

Estos sonidos, más maduros, más personales, se reflejan en Shakers For You, álbum que marca una sensible evolución para estos cuatro músicos de Jazz convertidos en los reyes del beat criollo. Las particularísimas "Vuelve mi amor" y "Siempre te esperaré", que formaban parte del lado dos, dejan camino libre para un cierre de LP absolutamente insólito para su época. El extraño nombre "Espero que les guste 042" fue elegido para designar uno de los temas que adelantaron la psicodelia un par de años, al menos en lo que a estas costas se refiere. Incomprendido en su momento, hoy se destaca claramente como uno de los puntos altos de un disco donde los Shakers afirmaron su identidad musical y dejaron entrever el proceso evolutivo que adoptaría su música futura.

Como dato curioso vale la pena mencionar que EMI - Odeón decidió en aquel momento prensar un disco de siete pulgadas - el tamaño de los simples - con seis temas (es decir, la mitad del disco) a los exclusivos efectos de promoción, o sea que no salió a la venta para el público en general. Una movida totalmente revolucionaria para la época, que ha convertido a esa pieza en una de las más buscadas por los coleccionistas.

Pagar y Descargar Ahora